Por: José Urriola

No sé si ya habrán visto ustedes esa bofetada hecha película llamada The Road, inspirada en el libro de Cormac McCarthy. No sabría decirles si la película es buena, tampoco si la recomendaría, simplemente les digo que les hará daño. Que se trata de una pesadilla postapocalíptica que lo tiene a uno durante dos horas al borde del asiento (también del abismo) y con el estómago vuelto una ciruela pasa.
La máxima de Thomas Hobbes: “el hombre es el lobo del hombre”, se pone a rodar en un mundo que no se nos explica qué lo llevo a ese estado, sólo sabemos que es espantoso, sin árboles, animales ni comida, que hace cada vez más frío e impera la ley de “El Gran Miedo”: el canibalismo. Y en medio de ese desastre, de la más gélida desesperanza, todo un monumento al horror monocromático y a la esterilidad, un padre y su hijo recorren la carretera en dirección al sur.
El padre (qué pedazo de actor que acabó siendo Viggo Mortensen) intenta inculcarle a su cachorro durante el trayecto todo un sistema moral que pareciera estar absolutamente divorciado del mundo que les ha tocado sobrevivir. “Nosotros somos los buenos, nosotros no comemos gente, nosotros somos los portadores del fuego”. Mientras tanto el mundo allá afuera es la clara evidencia de que Dios apagó las luces, cerró la puerta, puso el candado y botó la llave por una alcantarilla (no sea cosa que alguien entre, a esta hora, y con la casa tomada, diría Cortázar)
En la medida en que Viggo y su hijo recorren la carretera –y tú, como una mochila, colgando atrás- uno se va dando cuenta de que al papá la vida le ha ido poniendo la piel gruesa y que no se cree tanto lo que predica, porque en un mundo de lobos el que no es capaz de sacar los colmillos y actuar como macho alfa es comido crudo junto a toda su camada; el problema es que su pequeño, con la manita en el pecho, sí se cree entero el cuento del fuego.
No sé por qué será, la verdad, que a algunos nos fascina todo el asunto apocalíptico y distópico. A veces creo que es porque allí late una advertencia o una cura para que el mundo se salve y nunca llegue a semejante nivel de patetismo. Otras veces creo que es por catarsis, porque el idiota egoísta que a todos nos habita respira aliviado y dice: “nosotros estamos jodidos, pero los que vienen después van a estar peor”. The Road es como una cabilla oxidada que remueve ese avispero.
No cometeré la aberración de contarles el final de la película. No lo haré, no sólo porque me parece asunto de mal gusto, sino porque quiero que la vean. Mentira, lo que quiero es que la sufran, igualito a como me la sufrí yo. Sólo les comentaré una escena donde alguien se cruza con el niño y el chico le pregunta: “¿Tú eres de los que come gente?”. “No”. “¿Llevan ustedes el fuego?”. “¿Qué fuego”. “El fuego…” (y se toca el pecho con los dedos mugrientos que le asoman del guante roto). “Hijo, creo que estás jodido de la cabeza”.
Cuando los créditos aparecen en pantalla uno se queda con un hueco en la barriga del tamaño de un agujero negro de esos que tragan soles y planetas. El vacío, la incertidumbre, la desesperanza. ¿Será que uno también porta el fuego? ¿Será que los malos están convencidos de que el fuego lo llevan ellos? ¿Tendrá algún sentido empeñarse en llevar el fuego?
Me pongo los audífonos para no pensar, para olvidarme de Hobbes, de la carretera, de los mundos que no valen la pena ser vividos; mejor me lleno de ruido y de música. Pongo el aparato en su función random para que él escoja por mí lo que vamos a escuchar. Cae en una canción que tengo veinte años que no oigo, reconozco la voz cavernosa, oscura y con aliento a tabaco del cantante de los Sisters Of Mercy (qué bien –pienso, convencido de que la carretera se ha quedado atrás- es descubrir que a uno todavía le gusta la misma música que a los 17; es una evidencia de congruencia, o de que uno realmente no cambia… o de inmadurez (ya debería estar oyendo boleros y música clásica, pero nada). Y en eso me doy cuenta de que estoy cantando a viva voz el coro: “Would you carry the torch for me?”

¿Llevarías la antorcha por mí? Imaginen eso, qué vértigo, esa pregunta es metafísica.

 Fotografía: Raphael Delgado

¿Cómo es la relación con los fanáticos -o el nuevo público- quien ahora te reconoce más en la calle… o por el contrario sigues siendo un ciudadano medianamente anónimo?

Por fortuna sigo caminando bastante tranquilo por la calle aunque “Reverón”, sin duda, ha hecho que un porcentaje de la relación cambie y lo he notado. Solamente me ocurrió una vez que alguien me reconociera por la voz, me dijo “Usted es Reverón, cierto?” y eso me dejó asombrado. Los que me reconocen es porque me han visto en el teatro, porque quién se va a imaginar que el tipo blanco, ojos azulosos, imberbe,  nariz aguileña y calvo que va caminando por ahí es el pintor de Macuto?

Un juego preferido

Por estos días, el baseball y cómo se sufre con los Tiburones…

El rol más esperado

Ese que me van a ofrecer no sé cuándo, no sé dónde…

Una pareja ideal para el cine

En el capítulo cinematográfico podría decirte que junto a Guillermo Díaz Yuma en “Sucre”, de Alidha Ávila, hicimos una bella amistad que perdura hasta hoy y cada Diciembre, después del cumpleaños de Yuma, nos comemos un plato de pasta juntos. Fue también un placer enorme conocer a Asdrúbal Meléndez y a Lupe Barrado en el film “la voz del corazón” de Carlos Oteyza. Meléndez y éste servidor no teníamos escenas juntos, pero ser compañeros de viaje y compartir hospedaje fue una experiencia magnífica, conversar, hablar de la película, los personajes, las situaciones; a Lupe la recuerdo con gran cariño; con ella tenía varias escenas y recuerdo también cuando nos conocimos ya en locación y nos pasamos la tarde de ese primer encuentro leyendo el guión y hablando de los personajes. Con Luke Grande tenía una amistad forjada desde los días de “Romeo y Julieta” en el Teatro Nacional, pero gozamos en particular de nuestro reencuentro en “Francisco de Miranda” de Diego Rísquez. También de esa familia heredada del teatro, viene Alexander Solórzano a quien llamo “primo” desde los días de “Romeo y Julieta” porque interpretaba a mi primo Benvolio. La aventura en “Zamora”, de Román Chalbaud, está salpicada de muchas anécdotas. La más significativa fue cuando decliné la oferta de interpretar el papel principal y una semana después pasó a manos de Alexander. El primo Alex me llamó y al darme la noticia de que él interpretaría al conocido caudillo, nos fuimos a cenar y a celebrar de inmediato. Para cerrar está Sheila Monterola en “Reverón” de Diego Rísquez. Es curioso; hay gente que piensa que Sheila y yo nos conocemos desde hace muchos años y no es así. Nuestra amistad comienza en verdad con el rodaje de Rísquez. Conocíamos cada uno el trabajo del otro, pero no éramos amigos; eso empieza ahora y amén para que se prolongue por siempre y nos reencontremos una y otra vez. No había compartido tanto en el cine con alguien. Sucre y Reverón son personajes solitarios, interior y espiritualmente solitarios, pero Reverón tiene a Juanita y Luigi tuvo a Sheila.

¿Cómo se arma un personaje para las tablas…cómo para el cine?

De igual forma: con disciplina, horas de estudio, imaginación, intuición, razón, juego, investigación…

Un escritor fundamental

No sé. He leído obras fundamentales de escritores fundamentales que me han dejado una marca. Tuve un período dedicado a Thomas Mann, después otro a Dickens, uno a Gallegos; hace un par de años le tocó Dante… A algunos territorios me lleva mi vida de actor y a otros, ahora, para fortuna mía, la dramaturgia… y así voy…

¿Qué tanto hay de deporte en las tablas y qué tanto de las tablas en el deporte?

El ensayo es al teatro lo que el entrenamiento es al deporte. En ambos, ensayo y entrenamiento, si no hay disciplina, no sirve.

La cinematografía mundial comienza y termina en…

Fíjate que no se sabe a ciencia cierta dónde comienza. Los franceses dicen que en Francia, los norteamericanos dicen que en Estados Unidos; lo importante, sin embargo, es que no termina…

Una fecha importante en el mundo artístico

En mi mundo artístico personal una fecha importante es el 13 de Marzo: cumpleaños de mi maestro, el gran actor Fernando Gómez, y día en que entregamos los premios de la fundación que lleva su nombre.

¿Te identificas con algún animal?

El león, el delfín, el caballo, pero de manera fundamental con los pájaros.

Un consejo desde la memoria sensorial

No, no. No me pongas a dar consejos.

Una pesadilla para actuar

La clásica: la letra, la letra, la memoria, la memoria…

¿Cómo enfrentas la tecnología?

Con pinzas… Cuando se trata de tecnología para aumentar el disfrute de la música y el video, me encanta, aunque no es substitutiva; es decir, no voy a dejar de ir al cine por ver películas en casa. Lo que más detesto es que ahora se ha creado una nueva minoría: los que no tenemos twitter; te ven con cara de lástima o de leproso y exclaman “Ay, no tienes?”…y en el subtexto: pobre….Lo peor es la gente que dice “tuirer”…jejejeje

¿Cuantos libros son necesarios?

Los necesarios.

Una definición para la infancia

La infancia… imagínate, tener que responder esa pregunta cuando acaba de aparecer la fotografía de niños armados… La infancia debería ser un espacio privilegiado, lleno de amor, buena alimentación, vestido, educación y, repito, amor…

Alguna cita a ciegas con éxito

Nunca he ido a una cita a ciegas

Entre la disciplina y la flexibilidad…

Si no conoces, toleras o aplicas la flexibilidad estás perdido…

Qué opinas de la suerte y el destino

¡Cuántos años me das para responderte es pregunta?

       

Por: Eli Bravo

Aunque hemos escuchado desde niños que es lo último que se pierde, la esperanza en ocasiones se va de paseo y no es tan sencillo encontrarla. Afortunadamente jamás se esfuma del todo, y mejor aún, casi todos tenemos un reservorio para echar mano en las situaciones más difíciles. De otra forma, vivir se nos haría una penuria cotidiana.

La esperanza nos ayuda a superar las adversidades y muchas leyendas así lo ilustran. ¿Recuerdas el mito de Pandora?. Cuando la curiosa princesa griega no pudo resistir la tentación y abrió la caja que los dioses le habían regalado, las grandes desgracias de este mundo escaparon y adentro sólo quedó la esperanza. Con ella, gracias a ella, podemos enfrentar los vientos y corriente en contra.

Pero la esperanza no algo que encontraremos en una caja de cereal o que baja del cielo. “La esperanza no es algo que le pasa a las personas, es algo que tienen las personas, y la tienen siempre en mayor o menor medida” dice la psicóloga venezolana Nancy María Romero. Esta distinción es importantísima, porque nos permite entender que la esperanza es mucho más que sentarse a esperar que las cosas mejoren: ella funciona al máximo cuando la ponemos en acción.

En su popular libro “La inteligencia emocional”, Daniel Goleman escribe sobre el psicólogo estadounidense C. R. Snyder, para quien la esperanza es algo más que el punto de vista alegre de que todo saldrá bien. Mas bien “es creer que uno tiene la voluntad y también los medios para alcanzar sus objetivos, sean estos cuales fueran.”

¿Ves la diferencia? No es lo mismo desear algo, que usar tus habilidades para que ese algo suceda. No es lo mismo esperar que actuar. No es lo mismo una esperanza activa que una pasiva.

Como si fuera gasolina de alto octanaje, la esperanza tiene poder de ponernos en movimiento. La Dra. Romero piensa que la esperanza “funciona como una fuerza vital motivadora que energiza, orienta y dirige la conducta hacia la búsqueda de resultados deseados”. Su impulso nos permite superar los contratiempos y buscar salidas creativas en momentos difíciles. Y si además recibe un espaldarazo de su primo hermano, el optimismo, nos cambia la actitud y ganamos alas para superar la apatía o la depresión ante la adversidad. Juntos, esperanza y optimismo, son dinamita.

No olvidemos que la historia que nos contamos a nosotros mismos y los demás impacta directamente el color de la esperanza, o dicho de otra manera, la forma como percibimos nuestras capacidades para salir adelante. Porque si torpedeamos nuestra estima y la par ahogamos nuestros ánimos, sin duda el único destino posible es el fondo de la desesperación. “Las convicciones de la gente con respecto a sus habilidades ejercen un profundo efecto sobre esas habilidades” advierte el psicólogo Albert Bandura. O como diría un amigo ante una ronda de cerveza “si piensas todo el día que no puedes salir de esto, terminarás por creerlo”. Nada más peligroso que hacernos prisioneros de nuestras propias historias negativas, aunque pensemos que son “reales”, porque generalmente son una falsa percepción.

Es por ello que debemos alimentarnos la esperanza para que esta nos alimente a nosotros. Así se crea un círculo activo, que una vez en movimiento, abre muchas posibilidades. Podríamos decir que es una dinámica de automotivación capaz de potenciar lo mejor que llevamos por dentro. Y créeme que escribo esto convencido de que es así. Cada vez que la dichosa esperanza se me pierde entre tribulaciones y nimiedades termino con las baterías bajas y el alma espichada. Encontrar de nuevo su empuje no es siempre asunto fácil, pero te aseguro, que una forma de traerla de vuelta es dejar de simplemente esperar y comenzar a actuar. La esperanza, así como la vida, es mucho mejor cuando está en movimiento.

Por: Enghel Gabriel

Prometió que volvería pronto, y como suelen hacer los Caballeros… cumplió. Sir Elton Hercules John se presentará con toda su banda el próximo 5 de febrero en el Campo de Fútbol de la Universidad Simón Bolívar.

Han pasado apenas 2 años desde el debut de este legendario músico británico en escenarios venezolanos: La primera vez, fue el 25 de enero de 2009, acompañado únicamente con su piano y ante poco más de un millar de aficionados, cuando fue la principal atracción de la iniciativa benéfica “Buchannan´s Forever”, que en ese momento recolectó 500 mil Bolívares para la Fundación UMA. 

Este miembro del Salón de la Fama del Rock and Roll desde 1994, ganador de 6 Grammys, 4 BRIT Awards, 1 Globo de Oro, 1 Oscar de la Academia y hasta un Tony, que además ha vendido más de 250 millones de ejemplares de sus discos alrededor del mundo, llegará a Venezuela de la mano de Evenpro, empresa que estima agotar hasta el último boleto y que las 12 mil almas que cubren el aforo asistan a este espectáculo que promete estar cargado de clásicos, desde emotivas baladas como “Your Song” o “Sorry Seems to be the Hardest Word” hasta composiciones llenas de energía como “I´m Still Standing”, “Saturday Night´s Allright for Fighting” o “Crocodile Rock”.

Si quieres asistir aún estás a tiempo, puedes conseguir las entradas en Diverxity y Hard Rock Café del Sambil Caracas, Tiendas Esperanto ubicadas en el Centro San Ignacio, Paseo Las Mercedes y CC El Recreo; También se pueden adquirir en las taquillas de Evenpro, ubicadas en el CCCT, Nivel C2, y CC Líder, Nivel Plaza, en Caracas, y en el Forum de Valencia en el Estado Carabobo. En Maracay, Estado Aragua, hay puntos de venta en las Tiendas Vagos del CC Hyperjumbo.

Para quienes prefieren la opción web para comprar los boletos pueden intentar en www.prontoticket.com, pero tiene serios problemas de navegabilidad y el acceso se hace bastante cuesta arriba (Para el momento de publicación de este artículo intenté en días distintos y en repetidas ocasiones adquirir mis entradas por esa vía… me resultó imposible. Llamé al Departamento de Atención al Cliente hace un par de días y quedaron en devolverme la llamada, aún no ha sucedido.)

No hay forma de que me pierda este evento que sin duda será irrepetible. La cita es el domingo 5 de febrero en el Campo de Fútbol de la USB…Elton John, “The Bitch is back” in Venezuela.

Enghel Gabriel es Músico, Comunicador Social Egresado de la UCAB.

Síguelo en Twitter: @enghelgabriel

Javier Vidal

En días recién leí una declaración de mi caro y dilecto alumno Enrique Salas, demiurgo del teatro auto-gestionable, donde le entrecomillaban: “El teatro que se hace para intelectuales aparta mucho a la gente…” La repregunta de un periodista, que nadie le hizo, sería ¿cuál es el teatro para intelectuales que se está haciendo ahora? ¿Cuándo se hizo ese teatro en Venezuela? ¿Dónde está que no lo veo, no lo oigo, no lo siento?

Me produce un poco de pereza semántica reincidir en la cacareada diatriba entre lo comercial e intelectual. No sé si mi caro discípulo metía en saco a mentado Shakespeare en esto de intelectual. Si lo hacía volvería a preguntar: ¿desde cuándo no se monta Shakespeare en las tablas nacionales? E hilando más fino ¿quién dijo que Shakespeare fue un intelectual? Shakespeare fue un cómico, un escritor de dramas que transpiraba sus obras para poder comer y para poder aplacar la pasión de ser un teatrista en los tiempos de la fea, calva y virgen reina de Inglaterra. Igual Moliere y Lope; y Goldoni y Terencio; y Fo y Pirandello; y Miller y Williams; y Lorca y Valle-Inclán, por nombrar unos botones del arte de la representación.

Todos ellos eran hombres de teatro que vivían del teatro porque había un público para ellos. Porque los representaban. Porque se producía una caja de resonancia con la escena que los espejeaba, como diría el poeta. Género, estilo, estética, firma… el teatro siempre se escribe y se representa para el pueblo, para un público que responde al hecho escénico. Ningún dramaturgo escribe para no ser representado. A ningún actor le gusta interpretar a su personaje en salas vacías. Ningún director puede vivir si no se comunica con su público, con su pueblo, con su tiempo. Es decir, no puedo entender qué es “teatro que se hace para intelectuales…”

El teatro que se hace para intelectuales es tan inexistente como el mal llamado “teatro comercial” ¿Qué es esa vaina? ¿Comercial? Recurro al ejemplo fenicio ¿Cuándo un restaurante es comercial? Se habla de cocina de autor, bien, pero si nadie lo prueba, si nadie va al restaurante, el autor y su obra se van a pique. Es un fracaso. Nadie le gusta, nadie lo prueba o a nadie le han dicho que esa cocina es lo máximo. Igual con el teatro. Cuestión de gustos. Cuestión de mercadeo, igual. Frente a esa cocina de autor se levantaría el comedor popular ¡Ah! Pero entonces estamos hablando de teatro público y privado. Y ese es otro tema del cual hablaremos en otra emisión. No hay en Venezuela teatros Públicos. Este régimen acabó con ellos.

El Teatro privado e independiente es sostenible a través de la taquilla. A través de la convocatoria de un público que va del ágora al tetaron porque desea verse reflejado en los espejos de la comedia, la tragedia, el canto lírico de la ópera o la farsa más disparatada. El teatro independiente tiene una sola dependencia: su público. Su éxito no convierte al teatro en comercio, sino en la más pura esencia y existencia del Arte.

Una de las mejores formas para alguien que se está iniciando, en el mundo de la actuación, es escoger material de estudio cercano, historias que realmente te afecten y personajes que te entusiasmen.

Es muy importante tener la mente abierta para aprender siempre nuevas herramientas que puedas aplicar a cualquier técnica que uses, no te encierres en una sola visión.

La actuación no es una fórmula matemática por eso es un arte que muchas veces consiste en saber cuál es la herramienta adecuada para cada situación, y eso sólo se consigue con la exploración y la práctica.

Respirar es fundamental, cuando estamos nerviosos tendemos a trancar la respiración, esto nos causa tensión mental, emocional y física. Agudiza tu poder de observación contigo mismo y una vez que percibas cuando dejaste de respirar, simplemente respira sin miedo, las emociones fluirán mejor, liberaras tensiones, el oxigeno llegará al cerebro y el resultado final será la relajación.
La relajación es muy importante, aprende a relajarte antes de cada escena o antes de salir al escenario.

Es preferible que llegues con suficiente tiempo para que te puedas preparar con calma antes de tu puesta en escena. Olvídate de todo lo demás incluso hasta del texto, el manejar la relajación es un hábito que se adquiere con la práctica. Sea cual sea tu técnica es vital que te sientas relajado física, mental y emocionalmente.

Existen muchas técnicas de relajación trata de Investigar para que uses la que mejor te resulte.

El único modo de aumentar el rango de tus emociones y sensaciones es explorar y romper el miedo de traspasar los límites.

No busques resultados, “vive” el proceso de una escena momento a momento y disfruta el viaje.

Vanessa Acosta Carrasco

El pasado 18 de septiembre se celebró en Los Ángeles la 63ª entrega de los Emmy PrimeTime Awards, gala en la que hubo poca presencia latina entre los nominados; sólo los nombres de la colombiana, Sofía Vergara, y el venezolano, Edgar Ramírez, se escucharon entre la lista de postulados al premio que reconoce la excelencia en la industria de la televisión estadounidense. Vergara estuvo nominada en la categoría de Mejor Actriz de Reparto, por su papel en la comedia Modern Family, mientras que Ramírez fue incluido en el renglón de Mejor Actor por la Miniserie Carlos, que narra la vida del terrorista Ilich Ramírez Sánchez, alias “Carlos El Chacal”. Los grandes triunfadores de la noche fueron Mad Men, que por cuarto año consecutivo se impuso como mejor serie dramática, y Modern Family, que obtuvo, por segundo año, el galardón  de mejor comedia.

¿El gran ausente? Alec Baldwin, quien decidió no asistir a la ceremonia, en rechazo a la decisión de la cadena Fox de censurar la parodia que hiciera sobre el escándalo de espionaje telefónico de NewsCorp, y específicamente sobre Rupert Murdoch, propietario de la emisora.

 Ahora bien, haciendo un recuento histórico, ¿cuál es el origen de esta premiación? ¿Qué tiene de especial? Coloquialmente hablando, comencemos por el principio. El nombre Emmy tuvo sus orígenes en el término Immy, que se usó en los primeros tiempos de la televisión para identificar el tubo de registro de imágenes de las cámaras. Las iniciales de la palabra imagen en diminutivo, Immy, se transformaron en el nombre Emmy, de carácter más femenino.

 Precisamente por eso, la estatuilla que representa al premio es una mujer, y la diseñó el ingeniero Louis McManus. La modelo fue su propia esposa y su figura, aunque fue la última en llegar, fue seleccionada entre 48 propuestas más que fueron presentadas  en el concurso convocado para escoger la imagen de los Emmy. Bien cabe aquí la famosa frase de la ranchera El Rey, de que no hay que llegar primero, sino que hay que saber llegar.

 La estatuilla es una mujer con alas, que sostiene un átomo en sus manos. Las alas representan la musa del arte y el átomo representa el “electrón de la ciencia”.

 Y para seguir hablando de mujeres (no es que queramos relegar a los caballeros) la primera actriz en recibir este galardón fue Betty White, quien lo ganó en 1952 por su participación en la serie Life with Elizabeth. Hoy, 59 años después sigue estando vigente, y es que White también ha protagonizado las comedias televisivas The Mary Tyler Moore Show, The Golden Girls y The Golden Palace. No en vano, es una de las estrellas más populares e influyentes de todos los tiempos en Estados Unidos, con una de las carreras más largas y sólidas de Hollywood.

 Ahora sí, hablemos de los caballeros. El primer premio a Mejor Actor de Drama, se entregó en 1956 y, lo recibió Robert Young por Father Knows Best, quien además es recordado por su papel protagónico en la serie Marcus Welby, M.D. Murió en 1998, a los a los 91 años, a causa de un paro respiratorio. Jon Hamm (Mad Men), Steve Carell (The Office),  y Hugh Laurie (Dr. House) siempre están en la lista de nominados a este galardón, pero nunca han obtenido una estatuilla, mientras que el productor estadounidense, Jac Venza, es otro de los concurrentes postulados en la historia de los Emmy, desde 1970.

Otro de los grandes récords en la historia de estos premios lo ostenta Frasier, que cuenta con 5 Emmys  consecutivos a la Mejor Comedia, seguida por All in the family y Cheers, ambas con cuatro.

Finalmente, el galardón de los Emmy es una de las estatuillas más codiciadas del medio y muchas veces, consuelo de muchos actores que no han alcanzado ganar el Oscar.

Por Andrea Miartus

Nacimiento y viaje a Estados Unidos

El 17 de Noviembre de 1901 en Budanov ciudad del imperio Austrohúngaro actual Ucrania  nacería el hombre que dejó un regalo invaluable a el mundo de la actuación. De origen Polaco  Lee Strasberg  emigró con sus padres  a Estados Unidos a la edad de 7 años, donde vivió en un modesto vecindario de inmigrantes en el Lower East Side de New York , tal vez al comienzo de su vida Lee nunca se imaginó la pasión que el arte de la actuación despertaría en su ser, pues la verdad es, que el primer contacto que tuvo  con ella fue con la intención de conocer chicas -él mismo se describía como un hombre muy tímido- así que, a los 23 años decidió tomar clases en el American Laboratory Theatre en la ciudad de Nueva York teniendo la fortuna de comenzar su preparación con Richard Boleslavsky y María Ouspenskaya, quienes fueron privilegiados alumnos del propio Constantin Stanislavsky.

En 1924 hace su debut profesional como el primer soldado en la obraProcessional una producción del Theater Guild para la inauguración del New York’s Garrick Theatre.

El proceso creativo

Lee Strasberg se fascinó desde un principio en el proceso creativo del actor, su enorme curiosidad despertaba en él  una observación acuciosa  en las técnicas de Stanislavsky heredadas de sus grandes maestros rusos, así  que después de muchas experiencias en escena decide formar el legendario Group Theatre,  junto con Harold Clurman y Cheryl Crawford, ellos cariñosamente le llamaban simplemente: “El Grupo”, la idea de esa tropa de teatro era experimentar, estudiar y analizar el proceso creativo del actor, romper con los convencionalismos y clichés. Muchas veces se preguntaba Strasberg: “¿de dónde viene la autenticidad del actor? ¿Por qué hay algunos que pueden ser mucho más creíbles y verdaderos que otros y crear un impacto profundo en el público, mientras que otros no logran captar el mínimo interés del espectador? Es así como este privilegiado grupo -del cual formaron parte distinguidos artistas como Elia Kazán, John Garfield, Stella Adler, Sanford Meisner, Franchot Tone  y Robert Lewis- se instalaron en una especie de laboratorio artístico donde  pasaban días y noches enteras. En una  casa de veraneo, en las afueras de Manhattan, transcurría el tiempo inventando, aportando y discutiendo ideas basadas,  en el legado de Stanislavsky, como en una especie de juego creativo, combinaban el placer de las palabras con la creación artística.

Estando allí, Lee Strasberg fue el encargado de dirigir las primeras obras del Group Theatre, además, de entrenar a los actores para las obras. Es aquí donde comienza el desarrollo de un innovador sistema de entrenamiento para el actor llamado: “El Método”, el cual ha tenido un efecto profundo en el mundo y ha sido utilizado por muchos de los mejores actores que estuvieron bajo la tutela de Lee Strasberg, entre otros: Geraldine Page, Paul Newman, Al Pacino, Kim Stanley, Marilyn Monroe, Jane Fonda, James Dean, Dustin Hoffman, Eli Wallach, Eva Marie Saint, Robert De Niro, Jill Clayburgh, Jack Nicholson, Steve McQueen, Marlon Brandon, Anne Bancroft y Montgomery Cliff.

Separación del Group Theatre

En 1936 Lee Strasberg decide dejar el Group Theatre para dedicarse en forma completa e independiente a su carrera como director. En 1948 Elia Kazán le propone a Lee que se una al Actors Studio. En 1951 se convierte en el Director Artístico de este afamado centro, posición que mantuvo hasta el día de su muerte en 1982. Strasberg conocía a profundidad como ningún otro el sistema de Stanislavsky y las reformulaciones de Yevgeny Vakhtangov -y junto con todo el estudio y los descubrimientos realizados por él mismo en el proceso de preparación del actor- sentó las bases en las cuales se fundamenta el Actors Studio.

Strasberg, amante de la actuación seguía dirigiendo obras dentro y fuera de Broadway,  paralelamente a su trabajo como director artístico en el Actors Studio. Lee también fundó la muy prestigiosa escuela Lee Strasberg & Film Institute con sede en Los  Ángeles y Nueva York.

Strasberg, el actor

Strasberg interpretó varios papeles notables tanto para la televisión como para el cine, y para muchos, su mayor logro fue su interpretación de Hyman Roth en Godfather II, el cual le valió un premio Oscar de la Academia, en la categoría de Mejor Actor de Reparto en el año 1974.

Es indudable que Lee Strasberg ha dejado una huella indeleble en personalidades importantes como Al Pacino quien una vez comentó: “Lee Strasberg fue un punto de inflexión muy notable en mi vida, él fue el responsable de que abandonara todos esos trabajos y me dedicara a la actuación”. En otra oportunidad, agregaría: “Fue emocionante trabajar con él, porque era una persona que absorbía tu atención, cuando explicaba una escena o hablaba de los personajes. Uno solamente quería escucharlo, porque lo que nos decía, nunca antes las habías escuchado. Tenía una gran comprensión y estimaba a los actores”.

Como actor Strasberg apuntaba: “la actuación es una relajación para mi y creo que la disfruto más que dirigir o enseñar porque no tengo que discutir conmigo mismo”. Uno de sus grandes anhelos era caracterizar a Albert Einstein en sus años de madurez.

Ampliando las posibilidades

Una de las finalidades de “el método” creado por Lee Strasberg era ampliar el rango de posibilidades del actor. Él parecía poseer una asombrosa capacidad de observación  y una especie de sexto sentido para detectar las potencialidades de los actores. Poco tiempo antes de la muerte de Marilyn Monroe, ella estuvo bajo la tutela de Lee Strasberg, y realmente lo que siempre destacó fue su glamour y belleza, pero en realidad su trabajo como actriz siempre recibió duras criticas de los puristas. Sin embargo, Strasberg afirmaba que ella tenía un potencial inimaginable y que “podría convertirse en una de las mejores actrices de todos los tiempos, pero había que pulirla”.

Así agregaba: “yo vi que lo que ella parecía ser, no era lo que realmente aparentaba. Lo que  estaba pasando dentro de ella no era lo que reflejaba afuera. Eso significa que allí hay siempre algo interesante con que trabajar. En el caso de Marilyn, las reaccione fueron fenomenales. Ella puede despertar perfectamente las emociones requeridas en una escena. Su rango es infinito”.

Uno de sus libros mas importantes es A Dream Of Passion ha sido traducido a 9 idiomas, siendo lectura obligada tanto en The Lee Strasberg & Film Institute como en el Actors Studio.

Recursos en la web: The Lee Strasberg & Film Institute, The Jason Bennet Actor’s Workshop; The Actors Studios.

Recurso impreso: A Dream of Passion.

“La vida es una obra de teatro que no permite ensayos…

Por eso, canta, ríe, baila, llora

y vive intensamente cada momento de tu vida…

…antes que el telón baje

y la obra termine sin aplausos.

¡Hey, hey, sonríe!

más no te escondas detrás de esa sonrisa…

Existen personas que sueñanMuestra aquello que eres, sin miedo.

con tu sonrisa, así como yo.

¡Vive! ¡Intenta!

La vida no pasa de una tentativa.

¡Ama!

Ama por encima de todo,

ama a todo y a todos.

No cierres los ojos a la suciedad del mundo,

¡no ignores el hambre!

Olvida la bomba,

pero antes haz algo para combatirla,

aunque no te sientas capaz.

¡Busca!

Busca lo que hay de bueno en todo y todos.

No hagas de los defectos una distancia,

y sí, una aproximación.

La cita fue en el auditorio, lleno de estudiantes, de la Facultad de Humanidades de la Universidad Central de Venezuela justo al mediodía. El motivo, la proyección de la película, El Tinte de la Fama y el cine foro, del tercer largometraje, del cineasta venezolano Alejandro Bellame Palacios, El Rumor de las Piedras.

El género dramático, con una duración de 110 minutos y con un elenco fresco, cargado de talento, conformado por, Rossana Fernández, Christian González, Juan Calor Núñez y Zapata 666, junto a los experimentados actores, Verónica Arellano, Alberto Alifa, Laureano Olivares Aminta Lara y Arlette Torres, nos muestra una vez más a través de una familia muy humilde, la dureza y crueldad que se vive en las barriadas caraqueñas. Esta historia, que defiende su creador afirmando, “Yo no le di la espalda, yo decidí confrontar la realidad de los barrios caraqueños para hacer cine”, es familiar ya para muchos, pero a diferencia de las demás, toca levemente la tragedia de Vargas, que enlutó a Venezuela en el año 1999, y que en la trama marca la vida de Delia (Rossana). Una joven madre soltera, luchadora tenaz, sobreviviente del deslave, trabaja duro como obrera en una procesadora de pollos, con el firme propósito de darles una mejor calidad de vida a sus dos hijos, Willian (Christian) y Santiago (Juan Carlos).

Siendo aún menores de edad, estos chicos huérfanos de padre, se desenvuelven en un ambiente cargado de pobreza y desgracia, adentrándolos en el mundo de la delincuencia como única manera de subsistir, manteniendo a su mamá y abuela, sumergidas en la más profunda pena y desilusión con la vida, tema lamentablemente verídico en nuestra sociedad. Comenta el director en la ronda de preguntas:

-“Yo no hago cine para tener una buena o no, aprobación del público sobre la realidad venezolana, mi intuición me llevó por ese camino, a lo mejor equivocadamente, porque mi objetivo no es vender, mi objetivo es hacer una película que te comunique con el espectador. Lo que ya hemos visto en las proyecciones… Siento que lo logramos, el problema es vencer el prejuicio”.

Y continúa: “Cuando era un chamo, estaba buscando qué hacer con mi vida, algo que me hiciera feliz, entonces en ese momento leí una entrevista de Iván Feo, (guionista, actor y director de cine venezolano), en la que decía que él se dedicaba hacer publicidad para vivir, pero lo que a él le gustaba realmente, era hacer cine. Yo pensé ¡Bueno, eso es a lo que me dedicaré, eso es lo que voy a ser, publicista! Pero después que vi País Portátil, (película de Feo), esto marcó mi vida y el inicio de mi carrera, a partir de ahí, tomé la decisión de hacer cine. Pensé que era posible realizar películas que tocara y hablara tan profundamente de nuestro país”.

Esta cinta a pocos días de su estreno, se llevó seis (6) galardones en el VII Festival de Cine Venezolano, realizado en Mérida, incluyendo el de Mejor Película, Mejor Guión (Alejandro Bellame y Valentina Saá), Mejor Actriz Principal (Rossana), y Mejor Actor de Reparto (Christian). Igualmente se llevó el premio al Mejor Largometraje de Ficción, en el IV Festival de Cine Latinoamericano en Margarita. Films que en estos momentos coquetea con una posible postulación en el renglón de Mejor Película Extranjera, a los Premios de la Academia.

RC: ¿Cómo surgió la historia?

AB: No surge (risas), existe esa visión un poco romántica, en la que un tipo está escribiendo una historia, arrugando un poco de papeles que tira al piso, hasta que ¡Puó! Le cae la idea… Sino que son un montón de cosas durante mucho tiempo… Yo no pudiera decirte cuál es el punto, sí recuerdo algunos momentos, la señora de servicio que está en mi casa, le mataron a su hijo en Petare y eso por supuesto me movió. Pero ya me había movido todo lo que pasa a nuestro alrededor, lo que sale en prensa y en televisión.

RC: ¿Cuál es la problemática actual, del cineasta venezolano a la hora de realizar un proyecto cinematográfico?

AB: Un frente de autocensura que sienten los cineastas a la hora de realizar una película que plantee nuestra realidad, creo que más que nunca es importante tocar este tema, quizás sientan que no van a ser apoyados, yo nunca he escondido la cabeza y ahí está la película hecha. Por supuesto el problema económico sigue siendo un problema, porque a pesar de haber más contacto y más dinero por la Ley, Fonprocine (Fondo de Promoción y Financiamiento del Cine, administrado por el CNAC), no es lo suficiente como para hacer más películas. Aunque lo que se hace, ya corresponde al mercado que tenemos.

RC: ¿Crees que podamos llegar a las 15 películas al año?

AB: Sí, lo hemos hecho. Por otro lado, el problema del cine venezolano son sus guiones, creo que hay que ser mucho más riguroso a la hora de escoger sus historias.

RC: ¿Qué le recomiendas a un cineasta joven que le rechazan su proyecto una y otra vez?

AB: La perseverancia, la insistencia y la tenacidad. Si tu quieres dedicarte a esto, siempre vas a buscar la manera de meterte por donde sea, yo comencé haciendo pasantías como ayudante de producción. Nadie te va a dar nada por nada, no te lo van a dar gratuitamente, te van abrir las puertas por que tú te das a conocer, por tus experiencias y por tener un buen guión. Si sientes que te cierran las puertas porque vas a una convocatoria y no escogen tu proyecto, entonces no tienes la perseverancia ni la tenacidad suficiente para dedicarte a esto. Lo que hay es no tratar de desviarse en la medida de lo posible.

RC: ¿Qué tal la experiencia de trabajar con actores poco experimentados?

AB: Muy buena, excelente, son tremendos profesionales todos. La pasamos muy bien, somos un gran equipo.

RC: ¿Cuál crees sea el mayor atractivo del film, como para poder llamar la atención de un jurado, a los premios de la Academia?

AB: Si la llegase a llamar, sería la historia del niño, es muy conmovedora y el chico que la interpreta, es increíblemente genial. Tremendo actor.

RC: La película es muy bonita y conmovedora, estamos ligando los dedos a una

posible postulación a los Oscar de la Academia.

AB: (Risas) Es muy difícil (Risas)… Pero gracias, que bonito, ojalá… Dios quiera que sí.

Entrevista: Alejandro Bellame Palacios, director, guionista y productor de la película, El Rumor de las Piedras.